SOBRE IDEA Y GUION DE
ELIO  MARCHI

Sobre historia original de John Ford
 "Lástima que sea una puta"
Adaptación sobre el film de Giuseppe Patroni Griffi.

MUSICA
LITO VITALE

1  -  Situar  "el lugar"  o  época  de  acción  en  la   EDAD MEDIA

2  -  Trabajar  en  la  "arquitectura"  de  los  espacios en 3D  y  en  varios   planos  en  profundidad

3  -  Crear  las  variaciones  dentro de un  mismo  espacio  con  efectos   de  iluminación "virtual"  sobre   la  maqueta   "virtual"  en  3D.

 4  -  La  gama  de color  elegida  son los  sepias  y sus variaciones  en   función  de  los  vestuarios  de  los  personajes.  Obviamente,  y   respetando  los climas dramáticos  y  musicales,  se incorporan   variaciones en  otros  tonos,  inclusive aún,  dentro  de una  misma   escena.

5  -   Desde  el  punto  de  vista de  los estilos  de tratamiento  dividir  la   obra  en:

   A:   desde el inicio  hasta  el  casamiento,  Castillo de Marcos
                  y  Monasterio,   estilo  ROMANICO

   B:  escenas finales,  Iglesia y Castillo  de  Franco,
                  GOTICO  TEMPRANO

MAQUETA  VIRTUAL

ROMANICO

Notable versión en danza Nuestra opinión: muy bueno

La excelencia de un espectáculo está determinada por la integración simbiótica de todos los rubros que lo componen. En el caso de esta producción: el texto, la interpretación, la coreografía, el vestuario, la escenografía, la iluminación, la puesta y la música.

Elio Marchi realizó una versión sobre el film de Giuseppe Patroni Griffi, quien a su vez se basó en Lástima que sea una puta , de John Ford, obra que plantea el incesto entre hermanos. Lo original en este caso es que se trata de un texto concebido para ser expresado con la danza. En este sentido, Marchi consiguió un resultado elocuente y totalmente inteligible, donde la palabra hubiera resultado redundante.

Nuevamente, hablar de la actuación de Julio Bocca es reiterar elogios y calificativos. En este caso particular, cabe señalar su mirada rigurosa como director, para ensamblar las partes hasta alcanzar una hermosa hechura visual, con un ritmo preciso. Como bailarín se muestra, una vez más, como excelente partenaire, en este caso de Eleonora Cassano, excelente en su actuación, no sólo desde el punto de vista artístico, sino por toda la atmósfera pasional que genera para envolver a su compañera en un vértigo convincente de emociones.

Ellos son los protagonistas, secundados por dos grandes valores no sólo de la danza, sino también de la interpretación, porque cruzan los límites físicos para mostrar temperamentos y caracteres. Lucas Oliva, como uno de los amigos de la infancia, se impone por su prestancia y elocuencia a la hora de volcar sentimientos, labor similar a la que realiza Lucas Segovia, que interpreta eficientemente a otro de los amigos, opuesto al de Oliva, más tímido y más reprimido, pero no por eso menos meritorio. El resto del elenco demuestra el mismo grado de rendimiento y compromiso en los diversos papeles que toca jugar. Cabe destacar la actuación de los jóvenes bailarines, adolescentes, Valentín Fernández, Vanesa Echezarreta, Emanuel Amuchástegui y Federico Fernández, que brillan por su talento mesurado y, a su vez, rigor para enfrentar un desafío del cual salen más que airosos para subrayar la categoría de jóvenes promesas de la danza argentina.

Ana María Stekelman no hizo nada más, y nada menos, que traducir con el cuerpo el texto sin palabras y lo logra con mucha eficiencia, porque no se perciben diseños coreográficos, sino un fluir natural de movimientos para contar la historia. Logro que alcanza el máximo de la belleza en la escena de amor de los protagonistas.

Contundente resulta la escenografía de Tito Egurza, que combina lo tridimensional con lo virtual al obtener una resolución visual que cambia los ambientes sin interrupciones y le permite crear, casi en forma mágica, los diferentes ámbitos que exige cada escena. Mérito que se comparte con la iluminación de José Luis Fiorruccio en la creación de climas muy dramáticos, sin revelar que se trata de recursos lumínicos y tecnológicos.

El vestuario de Renata Schussheim, como siempre, es un componente atractivo de por sí, que la diseñadora resalta con la combinación de estilos en una propuesta donde el anacronismo juega un papel fundamental para engalanar el espectáculo.

Todo esto se ensambla en una magnífica hechura estética, cuyos componentes se amalgaman en una unidad total,

Una importante coreografía de Ana Stekelmann le sirvió a Julio Bocca, con su Ballet Argentino, como inmejorable manera de despedirse del público uruguayo desde el escenario del Solís.

La primera cosa que salta a la vista con Adiós Hermano Cruel, la pieza elegida por Bocca para despedirse desde el escenario en Uruguay es que, al contrario de las tendencias de los últimos años, se le vuelve a dar protagonismo a la expresión actoral.

Los bailarines en este caso vuelven a ser verdaderos intérpretes, actores que expresan su drama bailando. Bocca logra, en su última producción antes de su retiro, mostrar lo que sabe hacer como ningún otro: bailar con un sentido manifiesto, pero añadiéndole considerables cantidades de locura, coraje y pasión. Si bien Adiós hermano... cuenta una historia de amor, al igual que lo hacen los ballets románticos tradicionales, se diferencia de estos en un elemento primordial: aquí los amantes son reales, se funden en un abrazo pleno de sensualidad y crudeza, se arrancan las ropas, hacen el amor y, cuando mueren, se desarman sin adoptar posturas rígidas.

Este duro argumento ha sido realmente un desafío para Ana María Stekelman, socia de Bocca en muchos de sus más aplaudidos espectáculos. Aquí mostró toda su clase en una coreografía que no es ni clásica ni contemporánea, pero sí claramente personal y actualizada. 

En el Solís se vio a un Bocca entregado a la pasión y la locura, haciendo gala de sus veloces "deboullés" -como si los años no hubieran pasado-, en el solo del pañuelo rojo del cuarto cuadro del primer acto.

La mejor escena es el último cuadro del primer acto: un pas de deux de gran belleza plástica, en el cual Marco y Lucía (Cecilia Figaredo) hacen el amor como enajenados con la banda sonora de una furiosa tormenta. En el prólogo se pudo ver a un brillante grupo de niños, compuesto por Valentín Fernández, Vanesa Echezarreta, Emanuel Amuchátegui y Federico Fernández, que bailaron con agilidad y entrega una suite. Los chicos aparecen al final como espectros, fruto de la afiebrada mente de Marco.

Un protagonista sin existencia real

Quienes asisten a la presentación de Adiós Hermano Cruel, no pueden evitar quedar fascinados con la calidad de su planta escenográfica, fruto de la creación de Tito Egurza. Pero esta escenografía no existe: se trata de una serie de diseños en 3D de bellísima plasticidad que adquieren un corporeidad increíble. Si bien la acción trascurriría en la Edad Media, el escenógrafo emplea el estilo Románico, desde el inicio hasta el casamiento en el Castillo de Marcos.

Para las escenas finales, en la Iglesia y el Castillo de Franco, se eligió el Gótico Temprano. La gama de color elegida son los sepias y sus variaciones en función de los vestuarios de los personajes. Obviamente, respetando los climas dramáticos y musicales, se incorporan variaciones en otros tonos, inclusive aún, dentro de una misma escena.

Dos columnas de ladrillos completan y "arman" la ilusión del espacio tridimensional. Esas columnas, como unas breves escalinatas son los únicos elementos reales: dos bastidores ploteados. El uso de estos espacios virtuales permite un desempeño más libre de los bailarines y una dinámica en la puesta que realza el drama.

FERNANDO MANFREDI